A través del dibujo, la pintura, la fotografía y la escultura, La máscara asumida explora ideas sobre la apariencia, la piel y el cuerpo como espacios de devenir y transformación, mediante una selección de obras de Mara Corsino, Culeybo, Juanita Lanzo, Jomar Rodríguez y La Trinchera. La exposición retoma el género del retrato para considerar la apariencia como una serie de transformaciones que dependen de la relación mediada entre el observador y lo observado. Esta relación configura nuestra visión del mundo, donde el rostro distingue a una persona como celebridad de la cultura pop, digna de adoración, o, mitológicamente, como un ser peligroso y seductor: un tipo diferente de celebridad. La máscara asumida reúne obras inéditas y piezas de exposiciones anteriores para renovar nuestra fascinación por el género del retrato y por la apariencia entendida como una máscara asumida.

La serie Gold Bunny de Mara Corsino explora la intersección entre su carrera como fotógrafa profesional de retratos y su práctica creativa personal. En 2020, Corsino fotografió a Bad Bunny para la portada de The New York Times Magazine, antes del lanzamiento de su exitoso álbum YHLQMDLG. En Gold Bunny, Corsino aplica capas de esmalte rojo y dorado sobre la portada de la revista, resaltando y ocultando simultáneamente el retrato de Benito mientras dirige nuestra atención hacia sus rasgos. Al abstraer su aspecto general, este gesto sirve para explorar las estructuras sociales que moldean la forma en que nos vemos a nosotros mismos y a los demás.

La serie Inner Beauty de Culeybo profundiza en la maleabilidad de la apariencia mediante obras hábilmente construidas que invitan a la interacción. Utilizando tejidos sintéticos que el artista cose entre sí para crear pieles textiles maleables —que ocultan un retrato interior que sugiere una piel desollada—, las pinturas de Culeybo (realizadas con tela y óleo sobre tabla) abordan inquietudes sobre la apariencia, el envejecimiento y el género. A medida que pasa el tiempo y se interactúa con las obras, la piel textil exterior se comba o se tensa y muestra señales de desgaste; se trata de una forma ingeniosa de marcar el paso del tiempo y la antigüedad relativa de las piezas.

En los dibujos y collages de Juanita Lanzo, capas sucesivas de acuarela y trazos se combinan para crear formas biomórficas que interactúan activamente con la composición. Aludiendo a ciclos biológicos —células, entrañas, órganos y tejidos—, las obras sobre papel de Lanzo evocan el metabolismo orgánico y el estado constante de transformación en otra cosa. En sus imágenes, la ambigüedad y el entrecruzamiento de sus trazos sugieren relaciones laterales y superpuestas con otras personas, criaturas y objetos: un espacio expresivo entre cuerpos vivos.

Sin título, de Jomar Rodríguez, es una lámpara escultórica de cerámica que representa una figura humanoide sosteniendo una máscara de expresión desdichada. Los pezones flácidos y prominentes, junto con los guantes negros, brillantes y erizados de puntas, confieren a la obra un aire inquietante; remiten al látex como una «segunda piel» que actúa como sustituto fetichista de la piel propia de quien lo viste. La expresión de la máscara —similar a la de un emoji triste— genera cierta confusión en la obra, pues la interpretación parece surgir de la propia expresión; al fin y al cabo, incluso en la vida real, la sonrisa alegre de una persona puede percibirse como una mueca sarcástica por otra.

La performance fotográfica y escénica de La Trinchera retoma y adapta CRUDAS en una narrativa que alude libremente a la seducción de las sirenas. Estas figuras, representadas inicialmente en la Antigüedad clásica como seres híbridos con rostro o torso de mujer y cuerpo de ave que habitaban islas rocosas, adquirieron a partir de la Edad Media una apariencia pisciforme: hermosas mujeres con cola de pez en lugar de piernas que vivían en las profundidades. CRUDAS es un manifiesto de teatro-danza concebido como una partitura maleable, destinada a ser ejecutada y adaptada a distintos emplazamientos. Cada montaje tiene una duración flexible, supeditada a las condiciones y al contexto del evento espacial. Para esta puesta en escena, La Trinchera rechaza la noción convencional de la documentación fotográfica en la performance como mero registro de un evento presenciado por el público, y aborda la imagen fija como un microcosmos de una estética escénica y narrativa de mayor alcance.